企画展『創作版画の系譜』に行って
このあいだ、茅ケ崎市美術館で行われていた企画展『創作版画の系譜』に足を運んだ。
昼すぎ、天気は曇り（少し雨）で、やや寒い。まだ冬の寒さの名残を感じる。3月。
創作版画というのは、版画の工程である主な三つの作業――下絵を描く、版木を彫る、紙に摺る――を作者が一人でおこなう版画のことを言うようだ。
他方で浮世絵などは、多くの場合で分業体制が整っていて、それぞれの工程で専門的な技能や流通のネットワークを持つ人々が共同的に制作するものである。
展示を見てみると、非常に抽象的である作品も見受けられ、かなり「自由」であるという印象を受けるが、これはほぼ同時代に生きたという小原古邨の作品と比べてみるとその特徴が際立つように思う（ガイドにも、比較すると面白いかもしれないという記載があったような…）。
『創作版画の系譜』では何人かの作品が展示してあった。それぞれが様々な環境のもとで感じたことを版画に表現していて、また同時に版画で表現をすることの可能性を探求していたようだった。
個人的に関心を持ったのは、制作者である「それぞれ」という意識がいつ頃生まれたのかという点と、そうした個人としての制作者と抽象表現との関係という点。
まず、小原古邨の版画をはじめ、多くの場合で版画は分業制であり、作者の名前こそ絵師の名前であるものの、そこには版元の思惑だったり、彫師や摺師の技術による絵師の意図とのずれ（のようなもの）があったりするのかなと思う。
他方で、創作版画の場合、そうしたプロセスはなく、基本的には「自分で」考え「自分で」表現することになるわけで、するとようやく「自分」というものが現れるというか、作品が「自分」というものとより密接に結びついたものになったのではないかと考えたくなる。
だからこそ（？）抽象表現も増えてきたのかもしれないし、版画の技術的な精度（描く、彫る、摺るという技術）に注力するというよりは、むしろどのようにして表現するのかという方向へ進むようになったのかもしれない。ただし、創作版画にもまた高度な技術が要求されるのは言うまでもないし、容易に形にできるわけでは決してないだろう。
作品と「自己」「自分」というものを関連付けるのか否か、それはどのような立場でも関係してくるような気はする。
そんなようなことを考えつつも、改めて創作の可能性やその自由さを感じて心地よい時間が過ごせて幸せだった。
上に書いたことと似たようなことは、誰かしらが研究という形ですでに行っているだろうと思うので、本や論文にもまた目を通したいところだなあ。
※すでに終了。＠茅ケ崎市美術館
以下は参考になりそうな文献。
（金子善明、2016『抽象画入門: 視点が変わる気付きのテクニック』えにし書房。）
